Thomas Mann – Tod in Venedig

Interpretation: Thomas Mann : Tod in Venedig

Aber das Problem, das ich im Sinn hatte, war das der Würde des Künstlers, ich wollte so etwas wie die Tragödie der Meisterschaft geben, schrieb Thomas Mann im September 1915 in einem Brief an Elisabeth Zimmer. Dieses Problem wird vor allem am Ende seiner Novelle Tod in Venedig veranschaulicht, die er 1913 veröffentlichte.
Tod in Venedig (Tod in Venedig ist eine Novelle des deutschen Autors Thomas Mann , erstmals 1912 als Der Tod in Venedig veröffentlicht) geht es um den alternden Schriftsteller Gustav von Aschenbach, der sich in den 14-jährigen Jungen Tadzio in Venedig verliebt, wo er in den Urlaub geht, in seinen Bann gezogen wird und schließlich Aschenbach in Venedig
an Cholera stirbt. Thomas Mann schrieb diese Novelle, inspiriert von seinem eigenen Aufenthalt in Italien , bei dem er vom Tod des Komponisten Gustav Mahler erfuhr (Gustav Mahler war ein österreichischer spätromantischer Komponist und einer der führenden Dirigenten seiner Generation). Er bewunderte ihn und lieh sich seinen Vornamen und sein Aussehen zur Erinnerung an seine Hauptfigur Gustav. von Aschenbach.

Am Ende von Kapitel 5 der Novelle verjüngt sich Gustav von Aschenbach, um dem schönen jungen Mann Tadzio zu gefallen, den er durch Venedig verfolgt. Erschöpft von der Verfolgung lässt sich Gustav von Aschenbach auf einem Platz in Venedig nieder.

sich ausruhen ein wenig. In diesem Auszug (S. 133 135) aus der Novelle würdigt der autoritäre Erzähler den Künstler Aschenbach, indem er ihn [] Meister [] nennt (S. 133). Das äußere Aschenbach stellt das Ideal und Modell eines Künstlers dar, der alles erreicht hat, was es wert ist, angestrebt zu werden, was wird deutlich in
die Akkumulation: der würdig gewordene Künstler, der Autor des Elenden, der in einer so exemplarischen reinen Form [], der Aufgestiegene, der Eroberer seines Wissens [] (S. 133). In im Folgenden argumentiert die Figur Aschenbach in einer Vision, d.h. einem Traum, genau so gegen sie.

Dieser ganze Traum (S. 134 135) kann als Metapher und Symbol beschrieben werden, in dem Aschenbach versucht, seine Gefühle auszudrücken. Er setzt sich als den alten Mann mit Sokrates gleich (Sokrates war ein klassischer griechischer Philosoph, der als einer der Begründer der westlichen Philosophie gilt) und den schönen jungen Mann Tadzio mit Phaidros. Die Vision beschäftigt sich mit Liebe, Schönheit, Sehnsucht und Tugend. Aschenbach richtet seine Vision an Tadzio, da er Phaedro immer wieder als Adressaten innerhalb der Vision bezeichnet. Er argumentiert, dass der Künstler durch die Sinne, d.h. Wahrnehmungen, arbeitet. Der Künstler sieht in der Schönheit das Spiegelbild Gottes, der das wahre Gut und die Wahrheit selbst verkörpert. Durch die anthithetische Gegenüberstellung von Verständnis, als Weisheit und Spiritualität (S. 134) und den Sinnen (S. 134), die erfahrbar sind und mit persönlichen Gefühlen verbunden sind, stellt er das Finden der Wahrheit in Frage. Für ihn ist Schönheit nur ein falscher Weg, denn der Künstler wird von ihr in einen Rausch geführt, der sich in der Personifizierung deutlich macht, ohne dass sich Eros anschließt und sich dem Führer stellt (S. 134). Der Verlust der Würde des Künstlers kommt auch hier zum Ausdruck, da er sich dem Willen des griechischen Gottes der Liebe und des leidenschaftlichen Eros unterwirft und seinem Respekt keine Beachtung schenkt. In der Alliteration (Alliteration ist ein stilistisches literarisches Mittel, das durch den wiederholten Klang des ersten Buchstabens in einer Reihe von Wörtern oder die Wiederholung desselben Buchstabens in betonten Silben eines Satzes identifiziert wird) und dem metaphorischen Vergleich, den wir wie Frauen sind, wird deutlich, dass der Künstler nur nach seinen Empfindungen handelt und dadurch Gefahr läuft, seinen Geist und seine Persönlichkeit, d.h. seine Identität, zu verlieren. Nicht nur Aschenbach, sondern jeder Künstler ist der Gefahr ausgesetzt, seinen Intellekt zu verlieren, da wir Dichter als Metonymie bezeichnet werden (Metonymie ist eine Redewendung, in der eine Sache oder ein Konzept mit dem Namen von etwas bezeichnet wird, das eng mit dieser Sache oder diesem Konzept verbunden ist) und damit auch der autoritäre Erzähler gefährdet ist.

Der Künstler ist dann in diesem sentimentalen Rausch und dieser emotionalen Überschreitung gefangen und wird damit zwangsläufig irregeführt, was man an der rhetorischen Frage erkennen kann, dass wir Dichter nicht weise und würdig sein können? Dass wir uns zwangsläufig in die Irre gehen, zwangsläufig lasterhaft bleiben und Abenteurer von Gefühlen? Aschenbach, der die künstlerische Haltung von Thomas Mann verkörpert, drückt aus, dass sie nicht die Ehre verdienen, die ihm zuteil wird, da sie nur scheinbar mehr wissen, aber auch die Wahrheit nicht erkennen können. Diese Aussage wird in der Personifizierung deutlich gemacht: Die Meisterhaltung unseres Stils ist Lüge und Torheit, unser Ruhm und unsere Ehre einer Farce [….]. Daraus folgt für ihn, dass Künstler nicht für die Volks- und Jugendbildung geeignet sind (S. 135), da sie andere gefährden, wenn sie ihnen etwas beibringen sollen, weil sie sich vom Abgrund angezogen fühlen, auch wenn der Künstler versucht, dies zu leugnen und sich ihm scheinbar widersetzt. Aber er ist hilflos und machtlos gegen seinen inneren Drang, was sich im Gegensatz widerspiegelt; aber wie auch immer wir uns wenden, er zieht uns an (S. 135). Seiner Meinung nach kann der Künstler nicht zur Erkenntnis kommen, da er sich von Gefühlen und Leidenschaft leiten lässt und nach Form, Schwere und Haltung strebt. Aber das ist unvereinbar mit dem Wissen des Göttlichen, das nur ohne Leidenschaft, d.h. mit Rationalität, Bodenständigkeit und Verständnis, erreicht werden kann. Aus diesem Grund widmet sich der Künstler der Einfachheit, Größe und neuen Strenge, Unparteilichkeit und Form (S. 135). Diese Aufzählung charakterisiert die Schönheit, die die Reflexion des Göttlichen darstellt, in der sich der Künstler verliert. Der Künstler verliert so seinen Verstand und seine Kontrolle. Er kann sich nicht mehr weiter bewegen, er kann aufstehen, sondern bleibt in seiner Position und kann nur abschweifen, d.h. sich immer weiter in der Berauschung verlieren, also seinem Ende.

Dies zeigt eine Vorfreude auf das Ende von Aschenbach, der bereits unter Tadzios Bann steht und an Cholera stirbt (Cholera ist eine Infektion des Dünndarms durch einige Stämme des Bakteriums Vibrio cholerae) am Ende. Die einzig mögliche Lösung, die Aschenbach sieht, ist die Trennung, was sich in der nachdrücklichen Verwendung des Wortes widerspiegelt: “Und jetzt gehe ich, Phaidros, du bleibst hier; und nur wenn du mich nicht mehr siehst, gehst du auch. (S. 135) Offenbart deutlich. Aber diesen letzten Schritt zu tun, bringt Aschenbach nicht über sein Herz und so stirbt er. In diesem homoerotischen Dialog macht Thomas Mann dem Leser die Probleme des Künstlers auf einem sehr hohen Sprachniveau und durch eine komplizierte Hypotaktik (Hypotaxis ist die grammatikalische Anordnung funktionell ähnlicher, aber “ungleicher” Konstrukte, d.h. Konstrukte, die in einem Satz eine ungleiche Rolle spielen) deutlich Satzstruktur, die es ihm ermöglicht, viele und dichte Informationen kompakt zu vermitteln, und die immer wiederkehrenden Bezüge zur Antike. Im aufrichtigen, idealistischen Streben nach Wahrheit wird der Künstler mit Sinnlichkeit und Leidenschaft konfrontiert, in deren Verkettung er immer wieder seinen Intellekt aufs Neue aufs Spiel setzt. Abschließend lässt sich sagen, dass Gustav von Aschenbach in vielerlei Hinsicht Thomas Mann (Paul Thomas Mann war ein deutscher Schriftsteller, Kurzgeschichtenschreiber, Sozialkritiker, Philanthrop, Essayist und Literaturnobelpreisträger von 1929) seine künstlerische Haltung, aber auch seine Sehnsüchte und Ängste, zum Beispiel, seine eigenen Ansprüche nicht befriedigen zu können, reflektiert.