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Einführung in den Impressionismus
1.1 Ursprung des Impressionismus
Aus Protest gegen die formelhafte Malerei der Akademien, gegen die unnatürliche Beleuchtung der Ateliermalerei und ihrer dunklen Palette interpretierte der Impressionismus die Natur als augenblicklichen Farbreiz. Das Objekt wurde nicht in seiner Struktur reproduziert oder mit einer Kontur versehen, sondern es interessierte sich nur für seine Erscheinung im Moment der Malerei, die von Licht und Raum bestimmt wurde. Diese Einstellung zur Flüchtigkeit der Farbreize erforderte helles Sonnenlicht und führte zu einer Freilichtmalerei, die eine radikale Aufhellung der Palette bewirkte. Um die Reinheit der neu gewonnenen Farben nicht zu beeinträchtigen, wurden sie nebeneinander auf der Leinwand platziert und oft in Kontrastpaare zerlegt, die sich, wenn auch nur in größerer Entfernung zum Betrachter, zu einem atmosphärischen, meist bewegenden Gesamteindruck vereinen.
1.2 Spezielle impressionistische Maler waren die Hauptmeister des französischen Impressionismus: E. Manet, C. Monet, E. Degas (Edgar Degas war ein französischer Künstler, der für seine Gemälde, Skulpturen, Grafiken und Zeichnungen berühmt war), C. Pissarro, A. Sisley (Alfred Sisley war ein impressionistischer Landschaftsmaler, der den größten Teil seines Lebens in Frankreich geboren wurde und verbrachte, aber die britische Staatsbürgerschaft behielt) und A. Renior. In Deut
schland M. Liebermann, M. Slevogt und L. Corinth (Korinth ist eine Stadt und ehemalige Gemeinde in Korinth, Peloponnes, Griechenland ). Es ist eine Kunstbewegung, die einfach den Eindruck auf der Leinwand wiedergeben will, wie er materiell empfunden wurde. Der Impressionist ist ein Maler, der die Objekte nach seinen persönlichen Eindrücken einfangen will, ohne sich an die traditionellen Regeln der Kunst zu halten. Er malt draußen in der Natur, fraktioniert und fragmentiert die Pinselstriche, wobei er nur die reinen Farben des Prismas verwendet und nach größtmöglicher Lichtintensität strebt. Er will die Wirkung von Licht und Leben in seiner Unmittelbarkeit einfangen. Obwohl die Impressionisten Neurer waren, hatten sie nähere oder entferntere Vorgänger. So versuchten die venezianischen Maler der Renaissance bereits, die lebendige Realität darzustellen und sich der leuchtenden Töne und Komplementärfarben zu bedienen. Die Spanier Greco, Velazqüz und Goya gingen noch weiter in diese Richtung: Manet und Renoir haben aus ihren Werken gelernt. Camon Aznar, der den spanischen Impressionismus der Zeit untersucht, stellt fest: Man könnte es Instantismus (Kunst des Augenblicks) nennen. Das Hauptmerkmal dieses spanischen Impressionismus ist die Erfassung eines hellen und kraftvollen Moments, der Leere zwischen den Pinselstrichen. Wir beschäftigen uns hier aber noch nicht grundsätzlich mit der Freilichtmalerei und auch nicht ausschließlich mit der Verwendung von Grundfarben. Der Holländer Frans Hals (Frans Hals der Ältere war ein holländischer Porträtmaler des Goldenen Zeitalters, der in Haarlem lebte und arbeitete) hat Edouard Manet mit seiner Technik des unterbrochenen Pinselstrichs durch die Gegenüberstellung von leuchtenden Farben und tiefem Schwarz entscheidend beeinflusst. Auch in der Entwicklung der Malerei zum Impressionismus nahmen die Engländer eine führende Stellung ein. Claude Monet , Sisley und Pissarro (Camille Pissarro war ein dänisch-französischer Impressionist und neoimpressionistischer Maler, der auf der Insel St. Thomas geboren wurde) ging typischerweise während des 70/71 Krieges nach London und studierte die großen englischen Landschaftsmaler, insbesondere Constable, Bonington und Turner. Seite 2 Der unmittelbare Ausgangspunkt des Impressionismus ist jedoch Delacroix, der erklärte, dass in der Malerei alles nur ein Lichtreflex sei. In seinem Tagebuch wird die Affinität seines Kunstverständnisses zum Impressionismus am deutlichsten. Er unterschied zwischen lokaler Farbe und heller Farbe . Er stellt die Forderung: Die Lokalfarbe muss mit der Lichtfarbe harmonieren. Sein Gemälde Das Meer in Dieppe (Dieppe ist eine Küstengemeinde im Arrondissement von Dieppe im Departement Seine-Maritime in der Normandie in Nordfrankreich) (1852) zeigt seinen frühen Impressionismus, der bereits zwanzig Jahre später im Hafen von Le Havre den Eindruck eines Sonnenaufgangs (1872) ankündigte. Seite 3 2.2 Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts trugen auch die Landschaftsmaler in Barbizon insbesondere Daubigny und Diaz zur impressionistischen Kunst bei. Daubigny war einer der ersten, der von einem Boot, der Botin, aus malte; er fuhr die Oise stromaufwärts und markierte damit praktisch den Beginn der Freilichtmalerei. Zwei Künstler, Corot und Courbet, sollten jedoch eine viel wichtigere Rolle bei der Entstehung des Impressionismus spielen. Die Schönheit der Kunst, sagt Corot, ist die Wahrheit, wenn sie von dem Eindruck lebt, den uns der Anblick der Natur vermittelt. Der unmittelbare Blick auf die Natur, das empfindsame und poetische Gefühl mit ihr wird in seinem Werk immer deutlicher. Corot, der sich zunächst vom Licht angezogen fühlte, versuchte später, die besondere Atmosphäre jedes Ortes wiederzugeben. Seine Farben werden immer nuancierter und verschmelzen mehr und mehr, um auf die Unwägbarkeit der Luft, die alle Objekte umgibt, hinzuweisen. Der Künstler verwendet eine immer umfangreichere Palette von Grautönen. Im Gegensatz zu Delacroix, der behauptete, Grau sei der Feind aller Malerei, ist Corot nicht durch die Mischung aus Weiß und Schwarz, sondern durch die Mischung aller Farben des Prismas Grauwerte von erstaunlicher Feinheit und Ausdruckskraft. Dieser neue Weg war, wenn ich das so sagen darf, der von den Malern in der Normandie (die Normandie ist eine der Regionen Frankreichs, die in etwa dem historischen Herzogtum Normandie entspricht) – an der Mündung der Seine, an der Kanalküste zwischen Deauville, Trouville, Honfleur und Le Havre (Le Havre ist eine städtische französische Gemeinde und Stadt im Departement Seine-Maritime in der Normandie im Nordwesten Frankreichs) – eingeschlagen wurde. Hier stand im wahrsten Sinne des Wortes die Wiege des Impressionismus. Hier entschied sich erstmals eine Gruppe von Künstlern, die sich um Boudin und Jongkind versammelt hatten, direkt und ausschließlich im Freien zu malen. Boudin (Eugène Louis Boudin war einer der ersten französischen Landschaftsmaler, der im Freien malte) hatte Corot und Schanne bereits 1859 nach Honfleur geführt, bevor er sich dort 1862 niederließ. Der Holländer Jongkind folgte der Gruppe 1863 und blieb dort mehrere Jahre. Claude Monet verbrachte schließlich den Herbst 1864 in Honfleur. In Honfleur und an der Mündung der Seine schuf Boudin seine grandiosen Pastell- und Aquarellstudien über Himmel und Wasser , deren Pösie Baudelaire begeisterte. Jongkind führt dort auch seine lebhaften, bunten Aquarelle aus. Beide überzeugen den jungen Claude Monet , in der Natur mit hellen Farben zu malen. Courbet spielte eine ebenso wichtige Rolle wie Corot. Als Leiter der während der Revolution von 1848 in Frankreich gegründeten realistischen Schule zeichnet er sich besonders in der Landschaftsmalerei aus: Er ist vor allem der Maler des Lichts. Während seiner kurzen Lehrtätigkeit trat er auch als Novize auf. Seite 4 Courbets Vorliebe für intensive Lichteffekte verleiht seinen Bildern, die er ausschließlich in seinem Atelier malt, den Charakter von Open-Air-Gemälden. In den hellen Teilen seiner Kompositionen erreicht er eine Art farbigen und lebendigen Tachismus, was sich besonders in seinem berühmten Gemälde Bonjour Monsieur Courbet (Das Treffen oder “Bonjour, Monsieur Courbet” ist ein Gemälde von Gustave Courbet von 1854) (1854, Museum von Montpellier (Montpellier ist eine Stadt in Südfrankreich) ) und in einigen seiner Landschaften zeigt. 1854 ging er nach Honfleur (Honfleur ist eine Gemeinde im Departement Calvados im Nordwesten Frankreichs), wo er Boudin traf. Courbets Einfluss zeigte sich jedoch vor allem bei den realistischen Künstlern, die in der Provence malten: Paul Gigou und Frédéric Bazille (Jean Frédéric Bazille war ein französischer impressionistischer Maler), die wie Courbet helle, leuchtende Farben mit tiefen Schatten nebeneinander stellten. Bazilles Kompositionen wie auch Claude Monets frühe Werke, die Menschen in der freien Natur darstellen sind in dieser Hinsicht von Bedeutung. Aber der Künstler mit dem größten Einfluss von Courbet ist Edouard Manet. Die realistischen Motive aus dem modernen Leben, die Porträts, die offene, klare Vorliebe für spanische Maler, die malerische Substanz, die Leichtigkeit des Pinselstrichs, die hellen, lebendigen Farben, die durch die warmen, getönten Schatten noch deutlicher hervortreten, zeigen mit besonderer Klarheit die enge Beziehung zwischen den beiden Meistern, die bereits von ihren Zeitgenossen wahrgenommen wurde. In den Gewässern des Impressionismus haben auch viele Künstler aus allen Ländern gearbeitet. Einige unterhielten Beziehungen zu den französischen Malern, andere arbeiteten ohne persönlichen Kontakt. Sowohl Europäer als auch Amerikaner haben die Bedeutung der Freilichtmalerei erkannt, und später die symbolistische (Symbolismus war eine Kunstbewegung französischer, russischer und belgischer Herkunft in der Poesie und anderen Künsten) Umwälzung, mit einem Sinn für ihre nationale Tradition. Der deutsche Impressionismus, der gegen Ende des 19. Jahrhunderts entstand, unterschied sich erheblich vom französischen Impressionismus. Obwohl sich auch deutsche Künstler für die impressionistische Ausstellung von 1879 interessierten, folgte ihre Freilichtmalerei der Kunst von Corot (Jean-Baptiste-Camille Corot war ein französischer Landschafts- und Porträtmaler sowie Radierer), Courbet (Jean Désiré Gustave Courbet war ein französischer Maler, der die Realismusbewegung in der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts leitete) oder Daubigny weit mehr als die Manets und seine Freunde. Adolf Menzel (Adolph Friedrich Erdmann von Menzel war ein deutscher Realist, bekannt für Zeichnungen, Radierungen und Gemälde), Max Liebermann (Max Liebermann war ein deutsch-jüdischer Maler und Grafiker und einer der führenden Vertreter des Impressionismus in Deutschland ), Max Slevogt (Max Slevogt war ein deutscher impressionistischer Maler und Illustrator, bekannt für seine Landschaften), Hans Thoma (Hans Thoma war ein deutscher Maler) oder Fritz von Uhde (Fritz von Uhde war ein deutscher Maler des Genres und religiöser Themen) haben die Farben nicht fragmentiert, aber ihr Natursinn und ihre leuchtenden Farben beweisen, dass sie den Eigenheiten des französischen Impressionismus nicht unzugänglich waren, was ihnen erlaubte, die Fesseln einer allzu akademischen Kunst (Akademische Kunst oder Akademismus, ist ein Stil der Malerei und Skulptur, der unter dem Einfluss europäischer Kunstakademien entstanden ist) abzuschütteln. So kam es in etwas mehr als fünfzig Jahren zu einer vollständigen künstlerischen Transformation. Es ist sicherlich interessant zu bedenken, dass es lange vor den Bildhauern, Musikern, Schriftstellern oder Dichtern die Maler waren, die den Auftakt zur ästhetischen Innovation gaben und den Vorrang von Empfindung und Eindruck im Impressionismus betonten. In ihrer unmittelbaren, spontanen und originellen Schau der Dinge offenbarte sie den Künstlern unbekannte Aspekte der Welt. Neue Perspektiven, Nahaufnahmen, Bewegungsdissektion vor allem bei Pferderennen Schnappschüsse, plötzlich aufblitzende Lichtreflexe: all das waren Innovationen, die entscheidend zur Sonderschau der Impressionisten beitrugen. Die Fotografie erwies sich jedoch nicht nur als Hilfstechnik, sondern auch als Konkurrenz für die Künstler. Sie fühlten sich inspiriert und beschlossen, ihre handwerklichen Fähigkeiten und ihr Genie einzusetzen, um ähnliche oder dieselben Effekte wie der rein mechanische Prozess der Fotografie zu erzielen. Eine Schwarz-Weiß-Fotografie bleibt ein Kontrast zu Bildern mit vielen lebendigen Farben, die dennoch den Eindruck des Augenblicks vermitteln können. Wo der akademische Maler nur Zeichnung und Außenkonturen erkennt, sieht der Impressionist nur wirklich lebendige Linien ohne geometrische Form, die – aus tausend unregelmäßigen Strichen zusammengesetzt – den Eindruck von Leben aus der Ferne vermitteln. Wo der akademische Maler nur Dinge sieht, die im Raum angeordnet und nach einem theoretischen Schema verteilt sind, das auf eine reine Zeichnung zurückgeführt werden kann, erkennt der Impressionist eine Perspektive, die aus unzähligen Abstufungen und Schattierungen, aus ständig wechselnden, nicht gefrorenen, sondern lebendigen Oberflächen entsteht. Kurz gesagt, das impressionistische Auge ist das perfekteste in der menschlichen Entwicklung, das Auge , das selbst die kompliziertesten Kombinationen bekannter Farbtöne am besten erfasst und reproduziert hat. Der Impressionist sieht und malt die Natur so, wie sie ist, d.h. wie sie sich aus farbigen Schwingungen zusammensetzt. Es gibt weder Zeichnung, noch Licht, noch Formen, noch Perspektiven, noch Hell-Dunkel, die alle nur naive Kategorien darstellen: In Wirklichkeit ist alles nur farbige Schwingung und kann auch ausschließlich durch farbige Schwingungen auf der Leinwand wiedergegeben werden. Folglich beginnt die Landschaft, alle anderen Motive, insbesondere religiöse, mythologische und historische, zu verdrängen. Da die jungen Künstler ihre Hauptaufgabe in der Reproduktion der Natur sehen, arbeiten sie nun lieber im Freien. Denn die Natur verändert sich von einem Moment zum anderen, und es geht gerade darum, den flüchtigen Eindruck festzuhalten. Ohne vorher über die Komposition des Werkes nachzudenken, ziehen die Impressionisten ins Freie und stellen ihre Staffelei auf, wo ein flüchtiges Naturphänomen sie fesselt und anzieht. Was sie fasziniert, ist das Meer und sein rollender Horizont, der Fluss mit seinen zitternden Wellen, der Himmel und seine fliehenden Wolken, die Sonne und seine zitternden Reflexionen, der Rauch, der am Himmel schmilzt, das perlenartige Glitzern des Schnees. Alles, was das Licht reflektiert in erster Linie natürlich das fließende Element fesselt die Aufmerksamkeit dieser Künstler: alles ist Nuancierung und Suggestion für sie. Sie versuchen, das Unverständliche des Windes zu reproduzieren, der das Wasser kräuselt, der in den Blättern raschelt, der das hohe Gras kräuselt. Sie wollen nicht nur eine Saison wie ihre Vorgänger malen: Ihr Ziel ist es, einen Ort, einen Monat, eine Stunde des Tages, im Wechselspiel von Licht und Luft zu schaffen. Dies veranlasst einige dieser Künstler, insbesondere Claude Monet , das gleiche Motiv mehrmals in Serie zu reproduzieren. Die Maler pflanzen ihre Staffeleien an der gleichen Stelle vor den gleichen Objekten (Heuhaufen, Pappeln, Kirchen, Seerosen) und folgen dem Motiv den ganzen Tag, Stunde für Stunde, von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang, um zu zeigen, dass sich die Formen und Farben im Wechsel der Lichtreflexe und der transparenten, farbgetränkten Schatten ständig erneuern. Die Zeichnung, die Konturen, die die Form umkreisen sollen, entfallen; fragmentierte, nebeneinanderliegende Pinselstriche ersetzen sie. Die Perspektive wird nicht mehr durch die Anwendung geometrischer Regeln erreicht, sondern ergibt sich aus der Abstufung der Schattierungen, die Raum und Volumen definieren. Genauer gesagt: die Färbung ist die Charakteristik einer Farbe (Smaragdgrün, Artischocke (Die Kugelartischocke (Cynara cardunculus var) Grün, Englischgrün usw.), während der Ton den Helligkeitsgrad einer Farbe von dunkel nach hell charakterisiert. Seite 7 Die impressionistischen Künstler verzichten auch auf Hell-Dunkel-Malerei (Chiaroscuro) ist eine in der Renaissance entwickelte Technik der Ölmalerei, die starke tonale Kontraste zwischen Hell und Dunkel nutzt, um dreidimensionale Formen zu modellieren, oft mit dramatischer Wirkung) und scharfe Kontraste. Sie verbannen aus ihrer Palette die Schattierungen von Schwarz, Grau und Braun, das reine Weiß, die Erdfarben; sie beschränken sich auf die Farben des Prismas: Blau, Grün, Gelb, Orange, Rot, Violett in verschiedenen Nuancen. Und so machen sie Dinge aus ihrer Show und nicht aus ihrem Wissen. Zum Beispiel, Sie malen die Erde lila oder lila, blau, rosa, orange, aber nicht braun. Sie verwenden die Farben oft nach dem Prinzip der optischen Vermischung: Zwei reine, nebeneinander aufgetragene Farben (die nicht auf der Palette gemischt werden) erscheinen im Auge des Betrachters in der vom Maler gewünschten Weise. Die Académie Suisse – benannt nach ihrem Besitzer – befand sich am Quai des Orfèvres. An dieser freien Malschule, die nur geringe Studiengebühren verlangte, übten sie an lebenden Modellen. Die Lehrer verschonten die Schüler mit Ratschlägen, Verbesserungen oder Prüfungen. Edouard Manet (Édouard Manet war französischer Maler) und Claude Monet studierte eine Weile an der Académie Suisse (Die Académie Suisse war eine von Charles Suisse gegründete Kunstschule und befand sich an der Ecke des Quai des Orfévres und des Boulevard du Palais in Paris) und Pissarro, Cézanne und Guillaumin erhielten dort sogar ihre eigentliche Ausbildung. Diese drei Maler sollten einen ersten Freundeskreis bilden. Etwa zur gleichen Zeit wurde Ende 1862 eine zweite Künstlergruppe im Atelier Gleyre gegründet. Dieses Atelier, eingerichtet von dem Maler Gleyre, einem Lehrer an der Akademie der Bildenden Künste, der in gewisser Weise mit der Akademie verbunden war, stellte auch keine hohen Anforderungen an die Brieftaschen der Schüler. Unter ihnen waren Bazille, später Claude Monet, Renoir und Sisley. Zwei Jahre später, nachdem Gleyre sein Lehramt niedergelegt hatte, gingen Claude Monet (Oscar-Claude Monet war einer der Begründer der französischen impressionistischen Malerei und der konsequenteste und produktivste Praktiker der Philosophie der Bewegung, seine Wahrnehmungen vor der Natur auszudrücken, insbesondere in der Pleinair-Landschaftsmalerei) und seine Freunde ihren eigenen Weg.