Die Geschichte der Musik

Die Geschichte der Musik

Der Ursprung der Musik liegt in der Kommunikation zwischen Göttern und Menschen.
Die ersten Instrumente waren die menschliche Stimme und die Schlaginstrumente. Die Musik basiert auf den Grundelementen Rhythmus und Tonhöhe. Rhythmus organisiert Zeit und Tonhöhe organisiert Klang; vor allem aber beinhaltet Musik immer körperliche Bewegung in Form von Tanz.
Die ersten echten Instrumente waren Flöten und Trommeln, kurz darauf folgten die ersten Hörner und Streichinstrumente. Nach der Erfindung des Schreibens wurde auch die Musik niedergeschrieben. Die Oktave wurde erfunden. Zuerst ein Vergleich mit dem Regenbogen: Die Oktave entspricht dem Spektrum des Regenbogens; von sieben Farben nähert sich die siebte Farbe das Violett wieder der ersten Farbe zu Rot. Violett hat die doppelte Lichtfrequenz von Rot. Das Gleiche gilt für die Töne: Ein Ton besteht aus Schwingungen und erreicht unser Ohr als Schallwelle (in der Physik ist Schall eine Schwingung, die sich als typisch hörbare mechanische Druck- und Verschiebungswelle durch ein Übertragungsmedium wie Luft oder Wasser ausbreitet); je schneller die Schwingung, desto höher der Ton. In der Oktave schwingt die höhere Note doppelt so schnell wie die tiefere, weshalb wir diese beiden Töne als identische Töne mit unterschiedlicher Tonhöhe wahrnehmen. Die frühesten Instrumente hatten fünf Töne, solche Mu

sik nennt man Pentatonik (5-Ton-Musik).
Bei der Erfindung der ersten musiktheoretischen Schriften durch die Griechen wurde das System der Tonleitern und eine musikalische Notation entwickelt. Die wichtigste musikalische Grundeinheit ist der Takt, der gleich lange Abschnitte bildet, die wiederum eine bestimmte Anzahl von Noten enthalten. Der wichtigste ist der Anfangston eines Balkens, und die Wirkung aller anderen Töne ergibt sich aus ihrer Position.
Im siebten Jahrhundert entstand das Genre der Poesie, das Lied zum Text. Vor allem der Chorgesang spielte schon damals eine sehr wichtige Rolle. Das Orchester wurde auch von den Griechen erfunden.
Eine Oktave hat ein Oszillationsverhältnis von 1:2; die restlichen Noten müssen ebenfalls über das Intervall, also den Tonhöhenabstand zwischen zwei Noten, einem Ort zugeordnet werden. Aus den verschiedenen Tönen ergibt sich die Skala, eine Folge von Tönen zwischen zwei Oktaven (in der Musik ist eine Oktave oder perfekte Oktave das Intervall zwischen einer Tonhöhe und einer anderen mit halber oder doppelter Frequenz) Töne, die wir als eine natürliche Folge von Tönen wahrnehmen. Dies ergab 12 Töne: C D E F F F G A H, als ganze Noten (7) inkl. 5 Halbtöne (auf dem Klavier die schwarzen Tasten (The Black Keys sind eine amerikanische Rockband aus Akron, Ohio, 2001)) ). Zu diesem Zweck wurden Skalen (Skalen) entwickelt, die mit Namen versehen wurden, die als Dur und Moll verallgemeinert wurden.
Die musikalischen Epochen: 1) Mittelalterliche Musik am Ende des sechsten Jahrhunderts versuchten die Päpste, die verschiedenen Lieder in den verschiedenen Erzbischöfen und Klöstern zu sammeln, was zur Folge hatte, dass die Tonhöhe auf Linien markiert wurde, der frühesten Form unserer heutigen Musiknotation. Mittelalterliche Musik (mittelalterliche Musik besteht aus Liedern und Stücken aus einer Epoche der westlichen Musik, einschließlich liturgischer Musik für die Kirche und weltlicher Musik, nicht-religiöser Musik) war hauptsächlich vokal; Beispiele sind die französischen Troubadoure und die deutschen Minnesänger. Zwischen den Sphären Melodie und Text gab es schon damals eine Kontrafaktur, die Melodie eines Liedes blieb gleich, aber der Text wurde geändert (z.B.: Song to God  Song to Lover). Eine sehr wichtige Neuerung war die Entwicklung der Polyphonie (In der Musik ist die Polyphonie eine Art von musikalischer Textur, wobei eine Textur im Allgemeinen die Art und Weise ist, wie melodische, rhythmische und harmonische Aspekte einer Musikkomposition kombiniert werden, um den Gesamtklang und die Qualität des Werkes zu formen), was bedeutet, dass die Sänger verschiedene Melodien singen, und hier stoßen wir auf die Theorie der Harmonie, beginnend mit den Akkorden. Die Harmonie der 3 Töne ist ein Akkord (Ein Akkord, in der Musik, ist jede harmonische Tonfolge, die aus zwei oder mehr Tönen besteht, die gleichzeitig zu hören sind), es gibt sogenannte schlechte und gute Töne, d.h. dissonant = schlecht und konsonant (In der Musik bilden Konsonanz und Dissonanz eine strukturelle Dichotomie, in der sich die Begriffe durch gegenseitigen Ausschluss definieren: ein Konsonanz ist das, was nicht dissonant ist, und umgekehrt) = gut. Weiter geht es mit der Moll- und der Großen Terz (in der klassischen Musik der westlichen Kultur ist eine Terz ein musikalisches Intervall, das drei Stabsstellen umfasst, und die Große Terz ist eine Terz, die vier Halbtöne umfasst), wobei die Moll drei Halbtonschritte und die Große vier Halbtonschritte entspricht.
Zwei Achsen der Musik sind klar erkennbar: Melodie und Harmonie, die beide gleichzeitig klingen. Später wurden Notenlängen eingeführt. Die Noten wurden in Hälften, Viertel, Achtel usw. unterteilt. Die absolute Länge wurde durch das Tempo des Stückes bestimmt.
Die erste große Oper ist Orfeo von Claudio Monteverdis (1576-1643), aufgeführt in Florenz (Italien ). Zur gleichen Zeit begann der musikalische Barock , die Instrumentalmusik. Einer der größten Künstler des Barock war Antonio Vivaldi (Antonio Lucio Vivaldi war ein italienischer Barockkomponist, virtuoser Geiger, Lehrer und Kleriker) (1678-1741), er war zuerst Priester und dann Musiker, es folgten etwa 500 Stücke. Eine der Grundlagen der Barockmusik ist die Affekttheorie, aus der die Entsprechungen zwischen menschlichen Leidenschaften und bestimmten Klängen abgeleitet wurden, so dass die großen Klänge für Freude und die kleinen Klänge für Traurigkeit stehen. Danach entwickelten sich Bühnenmusik und Tanz. Ouvertüren zur Einführung von Opern wurden zu Sinfonien. Aus Tanzen wurden Suiten. Georg Friedrich Händel (1685-1759) war einer der größten Vertreter der Oper; durch ihn entstand auch ein Opernkrieg, der nur für John Gray richtig war (John Nicholas Gray ist ein englischer politischer Philosoph mit Interesse an analytischer Philosophie und Ideengeschichte) denn er wollte seine Beggars Opera (The Beggar’s Opera ist eine Balladenoper in drei Akten von John Gay mit Musik von Johann Christoph Pepusch) (Beggar Opera) veröffentlichen, die ebenfalls zu einem großen Erfolg führte. Der sogenannte Superstar des Barock (Barockmusik ist ein Stil der westlichen Kunstmusik, der von ca. 1600 bis 1750 komponiert wurde) war Johann Sebastian Bach (Johann Sebastian Bach war ein deutscher Komponist und Musiker der Barockzeit) (1685-1750); er geriet kurz nach seinem Tod in Vergessenheit und wurde erst im 19.
3) Klassische Periode Am Ende des Barock (der Barock wird oft als eine Periode des künstlerischen Stils betrachtet, die mit übertriebener Bewegung und klaren, leicht interpretierbaren Details Dramatik, Spannung, Überschwang und Größe in der Bildhauerei, Malerei, Architektur, Literatur, Tanz, Theater und Musik hervorbrachte) Epoche, in der sich die Menschen nach etwas Lebhaftem, Fröhlichem und Natürlichem sehnten; dies führte in die klassische Periode, eine der wichtigsten Epochen der Musikgeschichte. Joseph Haydn (Joseph Haydn war ein österreichischer Komponist der Klassik) (1732-1809) wurde von seinem Strukturprinzip beeinflusst, da es auf einer eigenständigen Dramaturgie der sogenannten Sonatenform basiert.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) ist das Wunderkind der Zeit, da er im Alter von drei Jahren Klavier spielen lernte. Er schrieb auch mehrere Opern, wie Die Hochzeit des Figaro (Die Hochzeit des Figaro, KV 492, ist eine Opera buffa in vier Akten, komponiert 1786 von Wolfgang Amadeus Mozart , mit einem italienischen Libretto von Lorenzo Da Ponte), und Symphonien. Doch Mozart (Wolfgang Amadeus Mozart , getauft als Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, war ein produktiver und einflussreicher Komponist der Klassik) starb in seinen frühen Jahren. Ludwig van Beethoven (1770-1827) war ein freischaffender Komponist mit den Problemen Hörverlust und schließlich Taubheit. Trotzdem komponierte er weiter und wurde durch seine Sinfonien und Klaviersonaten sehr berühmt. Beethoven (Ludwig van Beethoven war ein deutscher Komponist und Pianist) war derjenige, der die folgende Epoche, die Romantik , einleitete, indem er den Ausdruck intensivierte.
Die Kombination von klassischer Form und bürgerlicher Sensibilität machen die Jahre um die Jahrhundertwende zur interessantesten Zeit der Musikgeschichte. Im 19. Jahrhundert wurde Musik vermarktet und das Musikgeschäft erfunden. Es ist vergleichbar mit einer Frau zu dieser Zeit, entweder war sie eine Hure oder eine Heilige, dies entsprach der klassischen und populären Musik (E-Musik und Unterhaltungsmusik). Später wurde die Programmmusik erfunden; formale Modelle wie die Sonatenform (Sonatenform ist eine musikalische Struktur, die aus drei Hauptteilen besteht: einer Exposition, einer Entwicklung und einer Reprise) wurden nicht mehr eingehalten. Auf der Grundlage dieser Erfindung wurde die Filmmusik entwickelt, bevor der Film überhaupt existierte. Einige andere Vertreter der Romantik (die Romantik war eine künstlerische, literarische, musikalische und intellektuelle Bewegung, die gegen Ende des 18. Jahrhunderts ihren Ursprung in Europa hatte und in den meisten Bereichen ihren Höhepunkt in der Zeit von 1800 bis 1850 erreichte) waren zum Beispiel Richard Strauss (Richard Georg Strauss war ein führender deutscher Komponist der Spätromantik und frühen Neuzeit) (1864-1949) und Robert Schumann (Robert Schumann war ein deutscher Komponist und einflussreicher Musikkritiker) (1810-1856). Eine formelle Krise führte zur Markteinführung nationaler Musik. Mit dem Nationalsozialismus (der Nationalsozialismus , besser bekannt als Nazismus, ist die Ideologie und Praxis, die mit der deutschen Nazi-Partei des 20. Jahrhunderts und Nazi-Deutschland sowie mit anderen rechtsextremen Gruppen verbunden ist) verbanden einige Komponisten ihre Musik mit nationalen Mythen. Von Italien aus verbreitete sich die Opernwelt nach Deutschland und Frankreich . Die Vertreter der Oper in der Romantik waren Rossini (Gioachino Antonio Rossini war ein italienischer Komponist, der Opern schrieb, sowie einige geistliche Musik, Lieder, Kammermusik und Klavierstücke), Verdi (Giuseppe Fortunino Francesco Verdi war ein italienischer Opernkomponist) und Puccini (Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini war ein italienischer Opernkomponist, der “der größte Komponist der italienischen Oper nach Verdi” genannt wurde). Sie inszenierten Stücke, die Shakespeare sehr nahe standen.
Darüber hinaus wurde das Rezitativ (Rezitativ ist eine Art Vortragsstil, bei dem ein Sänger die Rhythmen der gewöhnlichen Sprache übernehmen darf) als eine Art Gesang in die Opern eingeführt. Mit Richard Wagner (Wilhelm Richard Wagner war ein deutscher Komponist, Theaterregisseur, Polemiker und Dirigent, der vor allem für seine Opern bekannt ist) (1813-1883), dem Großmeister der romantischen deutschen Oper, wurde das Ganze zu neuen Höhen geführt. Mit der Absicht, alle Künste der Musik in einem Werk zu vereinen, verbindet er Text, Musik, Bühnenbild und Choreographie und entwickelt ein neues Konstruktionsprinzip – das Leitmotiv (Ein Leitmotiv ist eine “kurze, immer wiederkehrende musikalische Phrase”, die einer bestimmten Person, einem Ort oder einer Idee zugeordnet ist). Mit der Jagd nach immer mehr Ausdruck, noch höherer Kunst und noch tieferer Bedeutung in der Musik stößt die romantische Musik an ihre Grenzen. Und jenseits dieser Grenze liegt die Moderne.
5) Modernität Modernität zeichnet sich durch die Verbindung von fröhlicher Musik mit persönlichem Leid aus.
Eine Zeit der Unruhe begann, verursacht durch die Impressionisten, wie Claude Debussy (Achille-Claude Debussy, seit den 1890er Jahren bekannt als Claude-Achille Debussy oder Claude Debussy, war ein französischer Komponist) und Erik Satie (Éric Alfred Leslie Satie, der seinen Namen Erik Satie nach 1884 unterzeichnete, war ein französischer Komponist und Pianist). Da das alte Dur- und Mollsystem veraltet war, wurde die Zwölftonmusik erfunden. Jeder der zwölf Töne muss einmal in einer Folge von Tönen vorkommen.
USA : Amerikas Beitrag zur Musik geht auf die afroamerikanische Kultur zurück: den Jazz . Dies wurde auch den Europäern schnell bekannt. Umgekehrt wollten amerikanische Komponisten eine Verbindung zur europäischen Kunstmusik finden. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts folgten populäre Swing - und Bigbands, kurz darauf Rock n Roll, weiter mit Pop und anderen Musikstilen, wobei immer mehr auch die Jugend angesprochen wurde.

Mit der Erfindung von Schallplatten und Radio entstand die Möglichkeit der massenhaften Verbreitung von Musik. Sie hat eine demokratische Musikkultur geschaffen, in der jeder Zugang zu allen Arten von Musik hat.